Museot haluavat 2 show u memeziä nyt. He eivät saa olla varovaisia.

A. Eva ja Franco Mattes, Ceiling Cat, 2016. (Eva ja Franco Mattes/Postmasters Gallery ja Team Gallery)

SAN FRANCISCO — Snap+Share-näyttelyn lopussa San Franciscon modernin taiteen museon vierailijat näkevät pienen kissan tuijottavan heitä alaspäin katossa olevasta karkeasti leikatusta suorakaiteen muotoisesta reiästä. Tämä on Ceiling Cat, vuoden 2016 teos, jonka ovat kirjoittaneet Eva ja Franco Mattes. He ovat käyttäneet taksidermiakissaa luodakseen uudelleen yhden Internetin suosituimmista ja sitkeimmistä meemeistä: kuva kissasta ja muunnelmia lauseesta Ceiling Cat is watching you . . .

Alkuperäinen Ceiling Cat -meemi syntyi yli vuosikymmen sitten, ja sen tunnusmerkki Ceiling Cat katselee sinua masturboimassa. Mutta se on muuttunut ja kehittynyt verkkokulttuurin tavanomaisella nopeudella. Monien iteraatioiden joukossa on kattokissa Luojana, joka puhuu Raamatun lolcat-meemikäännöksessä: Alussa no has lyte. Kattokissa sanoo, voinko haz lite? Pieni wuz.

Kuten useat muutkin näytelmän teokset, Mattes-veistos tekee fyysiseksi jotain, joka on olemassa ensisijaisesti Internetin painottomassa, aineettomassa ympäristössä. Se vangitsee sekä kuvien, erityisesti meemien, nappaamiseen ja jakamiseen kehittyneen kulttuurin leikkisyyden, vaikka se viittaa sosiaalisten verkostojemme piilevän valvonnan ja hallinnan pimeämpään puoleen. Se on myös näyttelyn päämarkkinointikuva ja ehkä yksi harvoista virheistä tämän muuten ajatuksia herättävän ja valaisevan näyttelyn kuratoinnissa.

enkä anna sinulle anteeksi

Vain siltä varalta, että saatat missata Ceiling Cat -kissan (joka on pieni ja silmien tason yläpuolella), museossa on pieni huomautus seinälle: Katso taideteos katon keskellä tässä galleriassa. Valokuvaaminen ei ole vain sallittua, vaan myös suositeltavaa. Sen myötä kriittinen etäisyys katkeaa, ja asia, jota muuten kiihkeästi tutkittiin – miten kuvien välitystottumuksemme ovat kehittyneet viimeisen puolentoista vuosisadan aikana – tuntuu yhtäkkiä enemmän peliltä, ​​jota meidän on pelattava. Kutsu osallistumaan, kuvaamaan kattokissasta, ei tunnu oikealta, varsinkin kun otetaan huomioon se perustavanlaatuinen jännitys, joka kehittyy tässä esityksessä – osallistumisen ja vaatimustenmukaisuuden välillä.

Mutta tietenkään yksikään planeetan museo ei tänään järjestäisi meemejä, tilannekuvia ja sosiaalista mediaa käsittelevää esitystä odottamatta kaikkien Instagramia, hashtageja Twitterissä ja Facebookin tulvivan selfieillä. Vastarinta on turhaa.

Andy Warhol sanoi haluavansa olla kone. Hän ei ollut.

Museon valokuvauksen vanhemman kuraattorin Clément Chéroux'n suunnittelema näyttely yhdistää nykyhetken pidemmän ja monimutkaisemman kuvien levittämisen historiaan. Se alkaa 1800-luvulla postikortin ilmaantumisen myötä, joka 1900-luvun alussa Ranskassa ylitti maan postijärjestelmän ja lähetettiin noin 173 000 korttia päivittäin. 1930-luvulla myös valokuvat kulkivat säännöllisesti johtoja pitkin, ja johtopalvelut toivat uutisia maailmasta, mukaan lukien sodat, katastrofit ja muut kurjuudet, olohuoneeseemme, romahtaen etäisyyden ja ajan niin, että maailma vaikutti lähes välittömästi saatavilla ja tuskallisen intiimiltä. .

1900-luvun puolivälissä värilliset postikortit ja suosittu valokuvaus tekivät maailman matkailu-ikoneista yhtä tuttuja kuin pikaruokaravintolat, jotka kiertävät lukemattomien miljoonien kirkkaanväristen kuvien kautta. Näyttelyssä mukana ovat muun muassa Motorolan läppäpuhelin, Toshiba-kannettava tietokone ja Casio-digitaalikamera, joita ranskalainen keksijä Philippe Kahn käytti lähettämään luultavasti ensimmäisen matkapuhelimen kamerakuvan suurelle verkostolle. Vain muutama minuutti aiemmin syntyneen tyttärensä rakeinen vuodelta 1997 otettu digivalokuva vastaanotti noin 2000 hengen yleisön.

rasvaa polttava pillereitä ilman liikuntaa

Mikä itse asiassa muuttui tämän kuvanvalmistuksen vallankumouksen myötä, jolloin kuvat tulivat välittömästi tuhansien tai nyt miljardien ihmisten saataville? Monella tapaa ei mitään. Ihmiset ovat lähettäneet kuvia postitse lähes valokuvauksen keksimisestä lähtien, ja olemme jakaneet kuvia itsestämme kauan ennen selfie-sanan keksimistä. Keräilijä Peter J. Cohen, joka on keskittynyt yksittäiskuviin ja kansanvalokuviin, on koonnut laajan ja monipuolisen joukon kuvia, joissa ihmiset ovat kirjoittaneet valokuvan viereen sanan minä, oletettavasti itsestään. Nämä kattavat vuosikymmeniä kestäneen mustavalkovalokuvauksen ja viittaavat jatkuvaan ja yllättävään johdonmukaisuuteen suhteemme valokuviin: käytämme niitä olemassaolomme vahvistamiseen, paikkamme merkitsemiseen maailmassa. Se ei ole muuttunut, vaikka keinot kuvien tekemiseen ja levittämiseen ovat kehittyneet.

Taiteilijatkaan eivät löytäneet ideoita sosiaalisista verkostoista ja liikkuvista kuvista Facebookin ja muiden online-sosiaalisten tilojen keksimisen myötä. Postitaideliike, jossa taiteilijat käyttävät postia luodakseen perinteisistä museoista tai gallerioista riippumattomia kiertokulkumalleja ja kutsuvat yhteistyöhön kuvien luomiseen, on jo kauan ennen 2000-luvun snap and share -maailmaamme. Näyttelyn visuaalisesti mieleenpainuvimpia töitä ovat saksalaistaiteilija Thomas Bachler, joka loi pieniä reikäkameroita pahvilaatikoihin ja lähetti ne Saksan postijärjestelmän kautta, jossa he tallensivat passiivisesti spektraalisia ja vahingossa otettuja valokuvia. Ne ovat hämmentävän kauniita ja näyttävät vähän lääketieteellisiltä kuvilta, sumeilta ja harmailta, ja niiden läpi kulkee outoja putkia ja viivoja ja lankoja näennäisesti orgaanista materiaalia.

Mutta muilla tavoilla muutos on valtava ja niin laaja, että sitä on lähes mahdotonta arvioida. Erik Kesselsin tunnettu asennusteos 24HRS in Photos on tehty jättimäisistä painetuista valokuvista, jotka on poimittu 24 tunnin latauksista sosiaalisessa mediassa. Se on lavastettu tätä näyttelyä varten, jolloin syntyy huonetäys lattialle kasattuja kuvia, jotka kiipeävät ylös seiniä pitkin. Se näyttää aluksi pahaenteiseltä, varoituksena matkapuhelinkameroiden ja digitaalisen valokuvauksen mahdollistamasta suuresta kuvien tulvasta. Mutta se on myös omituisen viehättävä, sillä valokuvat kieltäytyvät olemasta roskaa ja kiinnittävät katseet kauniisiin ihmisiin, aurinkoisiin rantoihin, leikkiviin lapsiin ja kaikkeen muuhun arkielämään, jota emme lakkaa dokumentoimasta ja paljastamasta.

Tintoretto, loistava, innovatiivinen ja ylellisen outo

Vain kuvien määrä ei ole muuttunut. Ihmiset, varsinkin nuoret, puhuvat tai keskustelevat nykyään kuvissa lähettäen kuvia sanojen sijaan ilmaistakseen ajatuksiaan ja tunteitaan. Ja tietoisuus siitä, kuinka riippuvuudestamme älypuhelimista on tulossa patologiseksi, on tulossa patologiseksi, riippuvuudeksi, joka hajottaa huomion ja hajottaa suhteemme todellisiin asioihin ja todellisiin ihmisiin. Taiteilija Kate Hollenbach vihjaa tämän mukanaan tuomiin psykologisiin muutoksiin videoteoksessa, jonka nimi on phonelovesyoutoo, jossa hän vei puhelimensa tallentamaan videota hänestä aina kun hän oli tekemisissä sen kanssa, tarkistaakseen postia tai surffatakseen netissä tai käyttääkseen sen GPS-toimintoa. Tuloksena on matriisi pienistä videoista samoista kasvoista, valoisissa ja pimeissä tiloissa, aamulla, keskipäivällä ja illalla, sängyssä, kadulla, kävelemässä rakennusten läpi, itse määräämä käänteisen valvonnan muoto. Tämän huoneen kokoisen kuvaruudukon emotionaalinen valenssi on hermostuneisuutta, levottomuutta, levottomuutta, ohjaamatonta energiaa ja dissonanssia.

Sitten on Ceiling Cat, joka tulee heti Hollenbachin mieleenpainuvan videon jälkeen. Se on hyvä keskustelunaihe museomaailmalle, tapa pohtia tämän kaltaisten näyttelyiden vaaroja ja mahdollisuuksia. Taidemuseot ovat juuri sellaisia ​​instituutioita, jotka voivat käsitellä laajaa ja monimutkaista aihetta, kuten Snap+Sharea, joka ei sisällä vain muutoksia visuaaliseen kulttuuriin, vaan myös sosiaaliseen, teknologiseen ja psykologiseen muutoksiin.

Mutta aina on olemassa vaara sotkeutua liikaa aiheeseen. Kulttuurilaitokset kaipaavat sellaista energiaa, joka näyttää virtaavan Internetin piireissä. He kaipaavat yleisöä, joka on kasvanut näiden kuvanteko- ja jakelujärjestelmien parissa, ja he kaipaavat sellaisten ihmisten rahaa, joiden omaisuudet syntyivät digitaalisessa kultakuumeessa. Museoammattilaisten keskuudessa on myös tapana katsoa Snap+Sharen kaltaisissa esityksissä tutkittua maailmaa tulevaisuutena, ja koska kaikki haluavat kuulua tulevaisuuteen, teknologiaa suositaan eräänlaista hiljaista, mikä tuo ja siinä on implisiittinen tuki sen takana olevalle teollisuudelle.

Se on pieni asia, mutta tämä näyttely olisi ollut vahvempi, jos se ei olisi kutsunut yleisöä mukaan. Kattokissa taideteoksena kutsuu ajattelemaan. Mutta kutsumalla vierailijoita dematerialoimaan Ceiling Cat -veistoksen takaisin Internet-meemiksi kuraattori näyttää sanovan: Tämä kaikki oli hauskaa. Esityksen kriittinen irtautuminen vaihtuu huudahduksella ja kikatusilla ja hyvänolon fiiliksillä. Näyttely tasapainottaa älykkäästi historiallisen havainnon vanhasta ilmiöstä – tarpeemme tehdä läsnäolomme maailmassa – selkeiden havaintojen kanssa siitä, kuinka teknologia muuttaa sisäistä elämäämme ja sosiaalisia suhteitamme. Mutta Ceiling Cat ja muut kutsut ottaa kuvia ja lähettää ne maailmalle, esitys perääntyy lopulta maagiselle ajattelulle, jolla pidämme huolemme sosiaalisen median kulttuurista loitolla: On vaaratonta, jos käsittelemme sitä vain vähän ironisesti.

Todella radikaali show ei päästäisi meitä niin helposti koukkuun. Se olisi vaatinut, että ihmiset jättäisivät taakseen sysäyksen napsauttaa ja jakaa tarpeeksi kauan tutkiakseen, mitä snap and share tekee meille.

Snap+Share 4. elokuuta asti San Franciscon modernin taiteen museossa. sfmoma.org .

Robert Mapplethorpen syyttömyys

'Ivanka Vacuuming' joutuu ensimmäisen tyttären ihon alle

kansallisen asuntojen parannusyhdistyksen huijaus

Kun taiteilijat löysivät merkityksen myyteistä ja hirviöistä