Taiteilija Hyman Bloomin teoksia kunnioitetaan. Ja ruumiit ovat ruumiita.

Hyman Bloomin 'Female Leg', 1951; öljy kankaalle. (Museum of Fine Arts, Boston/Timothy Phillips/From the Stella Bloom Trust)

Hyman Bloomin vuosina 1943-1954 tekemät maalaukset mädäntyneistä ruumiista ja avonaisista ruumiista ovat yksi amerikkalaisen taiteen erikoisimmista ja huolestuttavan kauneimmista teoksista.

Bloomin maalaukset sekä kauhistuttavat että hämmästyttävät. Ne syttyvät kuumista, virtaavista väreistä, jotka peittävät niiden pinnan liekin tavoin kuluttaen ja muuntaen heidän kuvaamansa köyhät ruumiit joksikin värikkäiksi ja eteerisiksi. Maalaukset ja valikoima häikäiseviä, laajamittaisia ​​piirustuksia ovat kohteena upea, kauan odotettu esitys, Hyman Bloom: Elämän ja kuoleman asioita Bostonin taidemuseossa. Yhdessä upean uuden kanssa monografia Bloomista ja mainoksesta esitys New Yorkissa , näyttely tuntuu suurelta tapahtumalta.

Bloom (1913-2009) on pitkälti unohdettu hahmo. Mutta hänen loistonsa tunnustettiin laajalti vuosisadan puolivälissä. Jackson Pollock, Willem de Kooning ja Franz Kline kaikki kunnioittivat häntä. Elaine de Kooning kirjoitti loistavasti varhaisesta työstään. Suuri renessanssin tutkija Sydney Freedberg kutsui häntä maalivirtuoosiksi. Ja kirjeessään toiselle runoilijalle Elizabeth Bishopille, Robert Lowell kirjoitti: Hyman on uskomattoman johdonmukainen, loistava, askeettinen – yhä useammat ihmiset sanovat hänen olevan Amerikan paras taidemaalari, ja niin hän on.

Tämä D.C.-näyttely tulee nähdä kaikkien siirtolaiskriisistä huolissaan

Bloom syntyi köyhässä ortodoksisten juutalaisten kylässä Latviassa. Hän asui varhaisvuosinaan yhden huoneen hirsimökissä, jossa oli likalattia. Hän oli 7-vuotias, kun hänen perheensä saapui Ellis Islandille vuonna 1920. He asettuivat Hymanin kahden vanhemman veljen luokse, jotka olivat muuttaneet ennen ensimmäistä maailmansotaa Bostonin West Endissä sijaitsevaan vuokra-asuntoon, jossa kahdeksan ihmistä oli ahtautunut kolmeen huoneeseen.

Koulussa Bloomin lahjakkuuden huomasi hänen kahdeksannen luokan taiteen opettaja, joka rohkaisi häntä ilmoittautumaan piirustustunneille yhteisökeskukseen. Taiteilija Jack Levine, josta tuli Bloomin läheinen ystävä, oli opiskelijatoveri.

Heidän opettajansa Harold Zimmerman kehitti heidän kykyjään kokeellisella lähestymistavalla. Hän sai heidät etenemään hyvin hitaasti, työstämään piirustuksiaan muistista suoran havainnoinnin sijaan pienin merkinnöin ja muokkauksin, pysyen aina akuutin herkkänä koko sävellyksen suhteen.

Teini-ikäisenä Bloom piirsi nyrkkeilijöitä ja painijia (hänen kaksi vanhempaa veljeään olivat kehonrakentajia) ja – yhdessä sarjaan sisältyvässä hämmästyttävässä piirustuksessa – titaanisen lihaksikkaan miehen, joka irtosi paksuista köyistä kidutuspyörässä. Hänen parhaiden teoksensa rohkeista maalauksellisista vapauksista huolimatta piirtäminen - ja ihmishahmo - säilyivät keskeisenä loppuun asti.

Zimmermanin kautta Bloom tapasi Denman Waldo Rossin, Harvardin yliopiston professorin. Ross tuki poikien jatkuvaa taidekoulutusta. Hän opetti heitä maalaamaan yhtenä iltana viikossa Zimmermanin jatkaessa piirustustuntejaan. Zimmerman vei myös Bloomin ja Levinen New Yorkiin, missä Bloom tutustui Chaim Soutinen ja Georges Rouaultin, hänen myöhempien töidensä lodestareihin.

20-vuotiaana Bloomin ura lähti nousuun. Hän maalasi synagogeja, joulukuusia ja morsiamia Soutinen, Rouaultin, Marc Chagallin ja Jean Dubuffetin kielellä, mutta se vaikutti silti täysin alkuperäiseltä. Hän alkoi saada tukea sellaisilta ihmisiltä kuin Dorothy Miller ja Alfred Barr, Modernin taiteen museon kuraattorit, ja hän inspiroi pian muita taiteilijoita, mukaan lukien de Koonings ja Pollock.

Vuonna 1941 Bloom koki kokemuksen, joka muutti perusteellisesti sekä hänen sisäistä elämäänsä että hänen taiteensa suuntaa. Hänen läheinen ystävänsä Betty Tovey teki itsemurhan, ja hänen perheensä pyysi häntä tunnistamaan hänen ruumiinsa ruumishuoneessa.

Bloom oli tuntenut Toveyn yli vuosikymmenen ajan. Heillä oli yhteinen talo ja studio Bostonissa. Hän oli paljon matkustanut, kosmopoliittinen, taitava viulisti ja 10 vuotta häntä vanhempi. He eivät näytä olleen rakastavia, mutta Tovey oli Bloomin uskottu ajanjaksona, jolloin hän paini ahdistuksen ja henkisen hämmennyksen kanssa. Kun hän siirtyi pois juutalaisuuden harjoittamisesta, hän jakoi kiinnostuksensa metafyysiseen kirjallisuuteen. Bloom alkoi tutkia teosofiaa, Vedantaa (yksi hindufilosofian päähaaroista) ja muita spiritualismin muotoja. Hän pysyi etsijänä koko ikänsä.

Hänen kokemuksensa nähdä Toveyn ruumis ruumishuoneessa sai hänet tarkastelemaan kuolemaa uudesta ja kauniista näkökulmasta. Hän kirjoitti, että olin vakuuttunut kuolemattomuudesta, että olen osa jotain pysyvää ja alati muuttuvaa, metamorfoosista olemisen luonteena.

Vilkaiseva tarkkailija Bloomin taiteesta seuraavien kahden vuosikymmenen aikana saattaa olettaa, että hän oli pakkomielle sairastumisesta ja kuolemasta. Ja tavallaan hän olikin. Mutta se, mikä häntä todella huolestutti, oli elämän ja kuoleman syvällinen kietoutuminen, äärimmäinen jakamattomuus.

Bloomin näkemys kehosta melkein kuin pyydystää , naamio, joka oli tuhottava ja repeytettävä, sen läpi nähdä paremmin, oli runsaasti edeltäjiä eurooppalaisessa taiteessa. Esimerkiksi pohjoisen renessanssin taiteilijat (erityisesti Matthias Grünewald) olivat maalanneet Kristuksen epätoivoisesti tuhoutuneen ruumiin erityisenä tavoitteenaan ylittää ruumiillisuus. Bloomin sähköistävä työ voidaan nähdä osana tätä perinnettä.

Kaksi vuotta sen jälkeen, kun Bloom oli tunnistanut Toveyn ruumiin ruumishuoneessa, Bloom törmäsi ystävään, taiteilija David Aronsoniin, joka oli matkalla Bostonin Kenmore-sairaalaan katsomaan ruumiita. Hän kutsui Bloomin mukaan.

Suurin osa länsimaisesta taiteesta renessanssin jälkeen sisältää tarinoita niistä tabuja rikkovista taiteilijoista, jotka ihmiskehon sisäisestä rakenteesta kiinnostuneena kiinnittivät huomionsa ruumiisiin, jotka usein herättivät kiistaa. Leonardo da Vinci ja Michelangelo tutkivat ja leikkaavat niitä. Rembrandt ja hänen hollantilaiset maanmiehensä kehittivät perinnettä 1600-luvulla.

Joten kuva kahdesta kunnianhimoisesta nuoresta juutalaisesta taiteilijasta Bostonissa kävelemässä yhdessä sairaalaan katsomaan ruumiita ei sinänsä ole merkittävä. Ja kuitenkin vain siksi, että vuosi oli 1943, ja suuria määriä näiden kahden taiteilijan juutalaisista pyyhkäistiin ympäri Eurooppaa ja lähetettiin keskitysleireille, joissa heidät murhattiin järjestelmällisesti, on vaikea olla ahdistamatta sitä.

Bloom ei tarkoittanut myöhempiä maalauksiaan - niitä, jotka hallitsevat tätä esitystä - kommentiksi holokaustista. Silti paljastukset Euroopan katastrofista ovat varmasti syöttäneet hänen omaa mielikuvitustaan. Ja väistämättä tietomme näistä tapahtumista on osa prismaa, jonka kautta me nähdä ne.

Sodan jälkeinen vuosikymmen näki Bloomin vahvimman teoksensa – ei vain kuvia ruumiista ja ruumiinavauksista, vaan myös kiehtovia, lähes abstrakteja kuvia kaivetuista aarrelaumoista. Nämä kimaltelevat teokset, jotka on rakennettu upeilla teksturoiduilla osilla, kuvaavat kohteensa ikään kuin ne olisi asetettu vaakasuoraan (kuten ruumis laatalle) ja ylhäältä katsottuna.

meille forex-välittäjille ei minimitalletusta

Bloom sai inspiraationsa osittain viimeaikaisten arkeologisten löytöjen kuvista. Hän antoi maalauksille otsikot, kuten Arkeologinen aarre ja Aarrekartta, kutsuen meitä näkemään analogioita kaivettujen aarteiden (ja hänen erityisen rakastamansa opaalinhohtavan lasin) ja ruumiin sisäpuolen kimaltelevan kirkkauden välillä.

Kymmenen vuotta sen jälkeen, kun Bloom edusti Yhdysvaltoja Venetsian biennaalissa (yhdessä Pollockin ja de Kooningin kanssa), hänet yhdistettiin brittiläisen taiteilijan Francis Baconin kanssa näyttelyssä Kalifornian yliopistossa Los Angelesissa.

Kuinka haluaisin nähdä sen uudelleen lavastettuna. Molemmat taiteilijat olivat huolissaan ihmiskehon alemmasta puolesta – ruumiista lihana. Mutta Baconilla, perusteellisella eksistensialistilla, ei ollut henkistä luuta ruumiissaan. Elämä oli hänelle eräänlaista teatteria, turhaan tuomittua peliä. Bloom sitä vastoin ajatteli, että siellä oli jotain muutakin. Hän oli visionäärinen taiteilija, joka rakastui ajatuskantoihin, joiden rakastaminen muuttui yhä vähemmän muodikkaaksi. Hän ei välittänyt taidemaailman menestyksestä.

Kun museon kuraattorit vierailivat hänen studiossaan, hän käänsi tunnetusti kankaansa seinää vasten. Olen pitkään ihmetellyt: Yrittiko Bloom kätkeä teoksiaan silmiltä, ​​joita hän ei voinut ymmärtää? Vai ymmärsiko hän, että hänen viimeaikaiset asiat eivät olleet aivan hänen aikaisemman työnsä mukaisia?

Ehkä hän oli vain vaatimaton. Lopulta, kuten monet aidot etsijät, Bloom kulki omaa tietä. Hän näki mitä näki. Hänelle oli yhä vähemmän tärkeää, että me muutkin näkevät sen. Hän tuotti hyviä asioita seuraavien vuosikymmenten aikana. Mutta teokset, jotka hän maalasi toisen maailmansodan jälkeisenä vuosikymmenenä, ovat edelleen suuri ja lähtemätön saavutus.

Hyman Bloom: Elämän ja kuoleman asioita 23. helmikuuta asti Museum of Fine Artsissa Bostonissa. mfa.org .

Hämmentävin kuva Apollo-tehtävästä ei ollut kuusta. Se oli maasta.

Hilma af Klint, tulevaisuuden maalannut nainen

Ovatko luontodokumentit aikamme suurinta taidetta?