Mildred Thompson, 'Magnetic Fields', 1991; Öljy kankaalle. (Mildred Thompson Estate)Philip Kennicott Philip Kennicott Taide- ja arkkitehtuurikriitikko Sähköposti Oli Seuraa 1. marraskuuta 2017
National Museum of Women in the Artsissa uusi näyttely kohtaa kaksi taidemaailmaan upotettua väärää olettamusta. Ensinnäkin, että naisten pitäisi tehdä feminiinistä taidetta, ja toiseksi, että afroamerikkalaisten taiteilijoiden tulisi tehdä figuratiivista ja aktivistista taidetta, teoksia, jotka kohtaavat rodun, eriarvoisuuden, epäoikeudenmukaisuuden ja mustiin ihmisiin kohdistuvan väkivallan pitkän historian.
Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960-luvulta nykypäivään keskittyy mustiin naisartisteihin, jotka työskentelevät näiden sanelujen ulkopuolella tai niiden ulkopuolella. Teos sisältää tuliisia abstraktioita, jotka on tehty hyytyneillä maalimerillä, ja herkkiä printtejä, joissa on vaaleanpunaisen sävyjä ja hienostunutta leivontaa. Jotkut maalaukset irtoavat seinistä ja hallitsevat tilaa; toiset intiimi hiljaisuus ja vetää katsojan yhä lähemmäksi arvoituksellista pidättymistään. Mutta kaikki uhmaavat esteettisiä odotuksia, jotka ovat juurtuneet mielivaltaisiin rodun ja sukupuolen luokkiin.
Barbara Chase-Riboud, 'Zanzibar/Black', 1974-75; Musta pronssi ja villa. (Rodrigo Lobos/Barbara Chase-Riboud/Michael Rosenfeld Gallery LLC)
Kuten esityksen luettelon johdantoesseessä selitetään, nämä taiteilijat työskentelevät reuna-alueen reuna-alueella. Missä nämä monet reuna-alueet ovat? Harkitse ensimmäistä sukupuolta ja abstraktiota missään erityisessä tärkeysjärjestyksessä. Viime vuosisadan puoliväliin asti alaa hallitsivat miehet, jotka muuttivat 1800-luvun ajatuksia sankarillisesta taiteilijasta ja tunneilmaisun demonisista voimista. Naiset, jotka työskentelivät ei-objektiivisilla tyyleillä, jätettiin huomiotta, syrjäytettiin tai tulkittiin väärin. Kun he onnistuivat menestymään omilla ehdoillaan, se johtui usein siitä, että heidän käyttämänsä visuaalinen kieli heijasti heidän vartaloaan ja käyttäytymistään koskevia odotuksia, pieniä, herkkiä eleitä, vaimeita värejä tai toistuvia muotoja, jotka rauhoittivat silmää. Poikkeuksiakin toki oli, mutta poikkeukset vahvistivat perinteisiä odotuksia tavalliseen tapaan, jolla valta puolustaa itseään: Syytätkö meitä syrjäytymisestä tai syrjäytymisestä? No, tämä yksinäinen esimerkki päinvastoin heikentää syytöksesi.
Seuraavaksi harkitse rotua. Tämän näyttelyn kattama aikakehys seuraa taiteen historiaa 1960-luvun kansalaisoikeusliikkeen huipulta oman aikamme Black Lives Matter -liikkeeseen. Monet tässä mukana olevista naisista vastustivat taiteen tekemisen vetoa, joka oli nimenomaan poliittista tai suoraan mustaa kokemusta. Abstrakti taide nähtiin usein rodullisesti valkoisten taiteilijoiden harjoittamana eliittimuotona. Mustien taiteilijoiden odotettiin meditoivan mustien ideoita käyttämällä visuaalista kieltä, joka on johdettu ideoista afrikkalaisamerikkalaisen tai diasporan kokemuksen afrikkalaisista juurista.
[Kansallisgalleria tarkastelee 10 Vermeeriä taiteilijan ikätovereiden yhteydessä]
Mildred Thompson, yksi tämän näyttelyn parhaista taiteilijoista, ei olisi saanut mitään sellaista. Prostituution huippu oli minulle sellaisten symbolien kopioiminen, joita ei ymmärrä, tarkoituksellisesti käyttää muotoa, jota ei osata analysoida tai arvostaa. Eikä hän ollut halukas luovuttamaan abstraktiota huipputaiteilijoille: Ehkä siksi, että olin elänyt ja opiskellut 'valkoisen' kanssa, olin oppinut arvostamaan mustuuttani.
Se on vahva riippumattomuus, ja kriitikkojen, kuraattorien, tutkijoiden, keräilijöiden ja yleisön juurtuneet tavat haastavat jatkuvasti.
Joten mukana oleva taide tuntuu vakuuttavalta, demonstratiiviselta, suoraviivaiselta ja anteeksiantamattomalta. Mutta onko näiden teosten välillä yhteyksiä tämän yhteisen tunteen lisäksi? Onko olemassa tyyli- tai yksityiskohtia, jotka yhdistävät yksittäisen työn 40 muuhun esillä olevaan teokseen? Onko olemassa takeaway, joka ylittää yksittäisen taiteilijan?
Tämä on vaarallinen alue. Kun aloitat etsimään noita linkkejä, vaarana on rajoittaa juuri sitä, mitä taiteilijat ovat pyrkineet säilyttämään: kunkin teoksen yksilöllisyyttä ja sui generis ilmaisullista sisältöä.
helppo diy tehosuunnitelma pdf
Ja silti näyttää olevan jälkiä yhteisyydestä tai sukulaisuudesta, varsinkin siinä, kuinka useat teokset ilmaisevat hajoamisen tai jakautumisen tunnetta. Ehkä tämä kuvaa sitä, kuinka valta vaikuttaa meihin, miten se luo jakautumista ei vain sosiaalisten ryhmien välillä, vaan myös itsetuntossamme. Valta kertoo meille, mitä meidän pitäisi olla, riippumatta siitä, keitä me todella olemme. Se erottaa meidät synnynnäisestä arvokkuudestamme ja leimaa oman hintansa ideoillemme, lahjoillemme ja panoksemme.
Shinique Smith, 'Whirlwind Dancer', 2013-17; Muste, akryyli, paperi ja kangaskollaasi kankaalle puupaneelin päällä. (E. G. Schempf/Shinique Smith/David Castillo Gallery)
Shinique Smithin, Whirlwind Dancerin, suuressa ja dynaamisessa sävellyksessä pilkkominen on fyysistä. Maalaus näyttää aluksi edustavan yhtä yhtenäistä esinettä, jonkinlaista pyörrettä tai pyörretuulta, joka on imenyt puolen vuosisadan maalauksen materiaalin ja roskan puhtaan energian silmukaksi aaltoilevaksi ilmaisuksi. Mutta tämä on itse asiassa kaksi kangasta, jotka on liitetty yhteen, ja kun tutkit sitä saumaa, huomaat, että viivat tai muodot ylittävät jaon vain muutamassa paikassa. Tämä metafora energiasta, joka on kokonainen huolimatta siitä, että se on levinnyt aukkoon tai halkeamaan, on teoksen voiman ydin.
Barbara Chase-Riboudin veistos, jonka pronssi- ja kangassäleet ovat esillä Michael Rosenfeld Galleryssä New Yorkissa tänä syksynä, on jaettu vaakasuoraan, ja kangashame näyttää kantavan pronssisen vartalon valtavaa painoa. Patsas saa aikaan vuoropuhelun, jota monet ihmiset tuntevat sisäisesti. Alkuperäisen pelon, että kaikki saattaa kaatua, ja innostavan tunteen välillä, että me jotenkin onnistumme pitämään sen riippumattomana tyhjyyden eetterissä.
[ National Portrait Gallery valitsee taiteilijat maalaamaan Obaman muotokuvia ]
Jennie C. Jonesia edustaa teos, joka käyttää akustisia paneeleja luomaan klassisia, minimalistisia abstraktioita. Mutta akustiset paneelit tuovat mukanaan viitteitä hiljaisuudesta ja kaksijakoisuudesta, joka ei ole toisin kuin Chase-Riboudin teosten ehdottama: ovatko ne hiljaisuudesta, joka on kankaalle, jolle musiikki kirjoitetaan, ja vapauttavaa henkistä voimaa vai hiljentäminen, mikä on ensimmäinen ja perustavanlaatuinen vallan strategia?
Howardena Pindell, Nimetön, 1972-73. (Howardena Pindell / Garth Greenan Gallery)
Nämä kaksijakoisuus leviävät koko näyttelyn ajan. Yhdessä erityisen henkeäsalpaavassa teoksessa, nimettömässä Howardena Pindellin maalauksessa vuosilta 1972-73, kangas on peitetty pienillä pisteillä, jotka ovat samankokoisia kuin pienet pyöreät paperinpalat, jotka jäävät jäljelle paperirei'ityspuristimella. Toisessa työssään hän käyttää maaliin sekoitettuja pyöreitä paperikappaleita luodakseen oudon muotoisen omaelämäkerrallisen teoksen, joka viittaa Japanissa viettämänsä aikaan. Mutta nimettömässä akryylimaalauksessa hän on maalannut huolellisesti niiden kaksiulotteisen jäljen kankaalle, joka sisältää illusionistisen ryppykuvion, ikään kuin koko asia olisi työnnetty kaappiin tai jätetty lattialle makaamatta hoitamatta epätäydellisyyksiin asti. otti muotonsa. Se on monimutkainen teos, joka saa mielen liikkeelle kysymysketjusta - kuka teki nämä pisteet, kuka rei'i paperin ja mihin tarkoitukseen ja mitä kirjoitettiin rei'itetyn paperin sivuille? - jotka viime kädessä viittaavat ajatukseen tekstistä tai asiakirjasta, jota meiltä salataan.
Tämä on kysymys, jonka kanssa valtaa täytyy tiukasti kohdata: Mitä meiltä pidätetään? Tämä näyttely on yksi, käytännöllinen, pragmaattinen vastaus kysymykseen. Mutta tietysti kysymys herättää toisen: mitä pidätämme itseltämme?
Magneettikentät: Amerikan abstraktion laajentaminen 1960-luvulta nykypäivään on nähtävillä National Museum of Women in the Artsissa 21. tammikuuta asti. Lisätietoja on osoitteessa www.nmwa.org.
